林顺文 《花林》

林顺文 临摹永乐宫三清殿的《朝元图》壁画

​林顺文 临摹永乐宫三清殿的《朝元图》局部 泥板

　　敦煌莫高窟、山西永乐宫、北京法海寺……在中国美术史尤其是壁画史上，这都是如雷贯耳的地方。而近几年来，清华大学美术学院中国重彩画高研班导师、广州大学美术学院教授林顺文，带领工作室的学生遍临古代壁画名作，从中汲取营养，为当代重彩画创作探新路、开“新颜”。近期，“当代重彩写辉煌——古代壁画研究课题成果展”在广东省立中山图书馆举行。无论是林顺文结合古琴谱创作的《意临敦煌莫高窟千手观音》，还是学生们临摹的飞天、仙鸟，抑或是他们写生而得的重彩山水画作品……其高古而又当代的“丹青”格调，吸引了大批观众的注目。接下来，展览还将移师北京清华大学、东莞岭南美术馆举行。

　　绘画颜料分等级 优者历千年不坏

　　林顺进入壁画研究领域，源自2012年他到中央美院跟随中国美协中国重彩研究会会长蒋采苹老师学习。期间，他开始迈出了临摹壁画的步子，并意识到要更深入地了解中国传统的色彩学，必须系统地临摹全国各地的壁画。从那时起，他就成立了一个小的工作室，通过壁画临摹来研究矿物质颜料的特性。

　　“通常人们会听到‘岩彩画’的提法，这种提法来自于日本。但日本的颜料、画法其实是从中国传去的。所以蒋采苹老师认为我们应该有自己的叫法，最直接的就是‘矿物质颜料’。矿物质颜料和化学颜料相比，有如翡翠的A货和B货，化学颜料像B货一样，颜色是会慢慢脱落的，而矿物质颜料放一两千年都不会坏，而且越是融入岁月的光辉就越有味道。其实西方早期的油画作品，用的也都是矿物质颜料。因为全世界的绘画一开始都是就地取材的。像敦煌的壁画，便是用当地的泥、矿、土完成的。敦煌的泥本身就有黏性，可以直接用来批墙，颜料则是从后山上找到矿石来研磨、烧煮的。”

　　谈起壁画临摹，林顺文首先辨析了矿物质颜料和化学颜料的差别，并表示今天不少年轻艺术家在材料上已日益回归传统，这是可喜可贺的事。而且，随着技术的进步，今天的矿物质颜料，其丰富性是过去不可同日而语的。“譬如一个朱砂色，按深浅和颗粒的粗细不同就可以分为十几种。最初级的颜料，色彩很重、颗粒很粗，可以用于打底；顶级的朱膘，则特别纯，特别美。”

　　很多人觉得林顺文的画面上颜色非常丰富，又比较纯净，就是因为他渐渐吃透了古人用色的窍门，乃至悟出在泥板上作画的优点。

　　本次展出的一张临摹永乐宫三清殿《朝元图》王母娘娘头像作品，便是林顺文将壁画形态直接搬到了架上，用的还是山西当地的泥，可谓“仿生壁画”。“作品是泥板的，很重，但由于很有代表性，已经坐多次飞机参加过多个展览了，大家都特别喜欢。因为在泥板上画，无论上多少层颜色，始终能够被‘吃’进去，越画越厚重，色彩看起来比纸面的要深沉许多，而且再鲜亮的颜色，一上去就能被化解掉，一点烟火气都没有。”

　　无论创临或创作 学习古人为今人

　　林顺文的工作室里，还挂着一张未完成的敦煌动物集合画，就像一个高古的动物世界，每一个小部分截取下来，也是能独立成画的。“我在广美读研时，陈新华老师是这样教导我的：‘一张作品要画到让人永远看不完，才是好画。’我始终谨记在心。”

　　林顺文记住的，还有林丰俗老师曾经的教诲——要通过古人来启发当下。“林老师生前每年都会买一两张仿古画，挂在他的画室里。我问他为什么？他说画累了抬头看一看，往往能得到启发。古人给我们留下了太多的宝贝了，从中汲取营养，融入当代的思想感情和表现手法，才能形成自己的风格。”工作室入门处，还挂着林顺文的一些花鸟、山水画小品。譬如他到肇庆写生的古榕树，写意而斑斓，抽象而生动。他表示，如果没临过壁画，肯定画不出这种感觉。

　　在临摹上，林顺文也常常跟学生们强调不能死临，要创临。像他自己的《意临敦煌莫高窟千手观音》，人物造型、构图、线条，跟敦煌原作是一样的。但在色彩和作品的艺术思想上，则别出心裁。他将整首宋代的古琴谱谱符抄录在画作的留白处，似字非字的抽象谱符，与人物造型形成了映照，既增强了整体感，也显得很当代。说起创作灵感，林顺文表示，他自己闲来喜欢弹弹古琴，那天老师找到了这条宋代琴谱，他脑海里的记忆就被激活了：“我在山西临摹写生时，遇到一位素昧平生的画友，他也爱弹琴，在一张写生作品上，他随手抄过几个谱符，我当时就觉得挺有意思的。于是将这个‘无心之举’拿来用了，发现竟是相得益彰。这件作品的底稿，其实也放了两三年，纸都变黄了。当时临了一半，感觉有点俗气，就把颜色洗掉后束之高阁了。”这次举办展览前，林顺文去中山图书馆看场地，有一个位置让他忽然想起了这件底稿，才有了这“神来之作”。

　　“所以，对待艺术创作，我们要更多点耐心。”林顺文笑道。

　　正面背面皆上色 动辄几百上千遍

　　与这张作品同时临摹的，还有永乐宫里的《吕洞宾与钟汉离》。相比起来，这张是更难的，同行的画家中只有林顺文对此发起了挑战。

　　“我们参加的是2015年前后的国家艺术基金壁画人才培养计划。当时在全国挑选了50位画家到山西考察临摹壁画。我因为在中央美院进修时创作了两件重彩作品参加了毕业展，由此获邀加入这一活动，到山西考察一年左右。在永乐宫还临了一张纸本的三清殿《朝元图》，但那张只用了一个多月，而《吕洞宾与钟汉离》用了五六个月时间。”

　　如果不仔细看，会觉得《吕洞宾与钟汉离》前面就两个人物，背景是一棵松树，挺简单的。事实上，人物的线条流畅又富有弹性，要临出神采来便不容易了；要在纸本上做出既沉实又斑斓的壁画层次肌理就更难了。为了达到效果，单是底色，林顺文就反复上了几百遍。

　　而底色，正是林顺文临摹壁画后收获的一个关键词。

　　大多数国画作品，底稿就是一张白纸，而林顺文现在的画作，底稿本身就是一张“作品”了。在他的工作室里，架子上铺开了一张背面刚刚上过几十遍颜色的宣纸，看起来比一般的抽象画还要生动。林顺文笑着表示，如果是搞当代艺术，这个直接可以拿去参展了。而按他的步骤，则是正面创作完成并托裱后，这些底色会现出五光十色的效果。“那才像天空真正的颜色。”

　　工作室的墙上还挂着一张尚未完工的一丈多长山水画大作，画的是西北的古长城。林顺文指着很黑的山体说，他在背后已经铺了好几层赭石色，这样作品托裱后，这些山体就显得透亮，而不是死沉沉的一团黑；正面很黄很亮的地方，则会在背面涂上绿色等冷色调，压住其“火气”；那些白色的蛤粉，林顺文也要洗掉，只留下一点淡淡的痕迹就好。

　　由于一张作品背面和正面加起来，颜色要上五百遍以上，所以对纸的要求是很高的，只有好的皮纸、宣纸才经得起“折腾”——上完色以后洗，洗完又上……就这么反反复复直至出现无法言说的效果。

　　何谓工匠精神？这便是极好的注解吧。